Os jogos japoneses voltaram ao centro da indústria. Entenda como Japão recuperou influência com Nintendo, Capcom, FromSoftware, Sega e Atlus.
Em 2009, o criador de Mega Man, Keiji Inafune, resumiu um sentimento que rondava a indústria japonesa de games: o Japão havia perdido o passo. Naquela geração, Xbox 360 e PlayStation 3 empurravam o mercado para produções cada vez mais caras, cinematográficas e orientadas ao Ocidente. Call of Duty, GTA, Gears of War, BioShock e Mass Effect pareciam apontar para o futuro, enquanto muitos jogos japoneses lutavam para encontrar espaço.
Dezessete anos depois, cá estamos nós e o cenário mudou bastante. Os jogos japoneses voltaram ao centro das conversas sobre design, identidade e direção criativa.
A FromSoftware transformou um estilo de ação em gênero. A Capcom recuperou franquias que pareciam condenadas ao passado. A Nintendo continua influenciando a maneira como mundos abertos funcionam. Já a Sega e Atlus provaram que até RPGs longos, estilizados e assumidamente japoneses podem conquistar milhões de jogadores.
O Tokyo Game Show 2026, que rolou recentemente, ajuda a explicar essa virada. O evento completou 30 anos com sua primeira edição de cinco dias, a maior duração de sua história. Sony e Microsoft também reservaram vitrines específicas para produções japonesas e asiáticas neste mês. Portanto, a pergunta já não parece exagerada: o Japão voltou a ditar o futuro dos videogames?
Quando o Japão deixou de ditar as regras?
Durante os anos 1980 e 1990, falar sobre videogame significava basicamente falar sobre o Japão.
Nintendo, Sega, Capcom, Konami, Namco, Square Enix ajudaram a construir a linguagem que ainda usamos. Plataforma, luta, survival horror, JRPG e ação cresceram apoiados em franquias como Mario, Zelda, Street Fighter, Resident Evil, Final Fantasy e Metal Gear.
Então a indústria mudou…
O salto para fotorrealismo e alta definição aumentou custos, equipes necessárias e os riscos financeiros. Ao mesmo tempo, os estúdios ocidentais ganharam força com motores gráficos poderosos, mundos abertos enormes e narrativas mais cinematográficas.
GTA popularizou e transformou o mundo aberto em obsessão. Call of Duty colocou o FPS no centro do mercado. Bethesda, BioWare, Rockstar, Naughty Dog e Epic ajudaram a estabelecer outra ideia de blockbuster: realismo, espetáculo técnico e produções cada vez mais megalomaníacas.
Parte das empresas japonesas respondeu tentando adaptar suas séries ao gosto ocidental. Em alguns casos, terceirizou propriedades para estúdios estrangeiros. Em outros, simplificou sistemas ou perseguiu tendências que pouco combinavam com suas próprias tradições.
Esse período criou uma crise de identidade. O Japão continuou produzindo ótimos jogos, mas já não parecia definir a conversa global. Pior: várias empresas começaram a agir como se precisassem esconder justamente aquilo que tornava seus jogos tão autorais.
Os jogos japoneses voltaram quando o Japão parou de pedir desculpas
Curiosamente, a virada não aconteceu quando os estúdios japoneses aprenderam a imitar os maiores sucessos americanos. Ela ganhou força quando muitos deles voltaram a confiar nas próprias obsessões.
Demon’s Souls talvez seja o exemplo perfeito. O projeto parecia estranho, difícil e pouco alinhado às tendências comerciais da época. Ainda assim, o boca a boca transformou essa aparente objeção em identidade.
Dark Souls aprofundou a fórmula. Depois vieram Bloodborne, Sekiro e Elden Ring. Aos poucos, elementos que pareciam pouco comerciais viraram referência para toda a indústria.
Combate baseado na leitura do inimigo, risco e recompensa, checkpoints integrados ao mundo e narrativa fragmentada passaram a aparecer em dezenas de projetos. Além disso, muitos jogos adotaram a disposição da FromSoftware de não explicar tudo ao jogador.
A mudança aparece até no vocabulário. “Soulslike” virou um gênero. Pouquíssimos estúdios conseguem alterar a linguagem do meio a ponto de seu nome virar definição de design.
Os números acompanharam essa influência. Elden Ring, que ganhara premio de jogo do ano em (GOTY 2022), superou 30 milhões de unidades distribuídas mundialmente até março de 2025.
Porém, o mais importante não está apenas nas vendas. A FromSoftware mostrou que jogos japoneses poderiam voltar a liderar tendências sem suavizar sua identidade para agradar ao mercado global.
Capcom transformou tradição em inovação
Se a FromSoftware representa a força de uma filosofia autoral, a Capcom talvez seja o melhor exemplo de reconstrução entre as grandes publishers japonesas. Poucas empresas conseguiram recuperar tantas séries sem simplesmente viver de nostalgia.
Resident Evil 7 devolveu o horror à franquia quando a fórmula parecia presa ao excesso de ação e QTEs. Resident Evil 2 mostrou como refazer um clássico sem transformá-lo em peça de museu. Devil May Cry 5 refinou um sistema de combate que poucos concorrentes sequer tentam reproduzir.
Street Fighter 6 modernizou uma franquia competitiva sem abandonar sua profundidade. Já Monster Hunter encontrou um equilíbrio raro entre acessibilidade e sistemas complexos, ampliando um público que antes parecia concentrado no Japão.
A estratégia funcionou. Resident Evil ultrapassou 200 milhões de unidades vendidas como série, enquanto a Capcom acumulou anos de resultados recordes. Em setembro de 2026, Onimusha: Way of the Sword passou de 1 milhão de cópias logo no primeiro dia.
O caso de Onimusha é especialmente interessante. A Capcom não tentou esconder a origem da franquia nem transformá-la em um produto genérico. Pelo contrário, colocou Miyamoto Musashi em uma Kyoto fantástica e vendeu essa identidade para o mundo. (Se a gente comprou? COM CERTEZA!)
Esse talvez seja um dos segredos da nova força dos jogos japoneses. Globalização deixou de significar apagar sotaques.
Nintendo nunca precisou abandonar sua própria língua
Existe uma ironia nessa história toda. Enquanto várias empresas japonesas passaram anos tentando entender o Ocidente, a Nintendo simplesmente continuou sendo… a Nintendo.
The Legend of Zelda: Breath of the Wild demonstrou isso de maneira brilhante. O jogo não tentou construir o maior mapa da indústria. Em vez disso, mudou a relação entre jogador e cenário.
Escalar, experimentar, combinar sistemas e seguir a curiosidade se tornaram mais importantes do que limpar mapas cobertos por ícones. Depois, Tears of the Kingdom ampliou essa lógica ao transformar objetos, física e improvisação em ferramentas centrais.
A influência aparece em vários projetos posteriores. Nem todos copiaram Zelda diretamente, mas muitos absorveram sua ideia de liberdade baseada em sistemas. Isso conta muito porque inovação não depende apenas de gráficos mais realistas, mundos maiores ou orçamentos gigantescos.
Os números também mostram a força dessa filosofia. Até junho de 2026, o Nintendo Switch original acumulava 156,59 milhões de unidades vendidas. O Switch 2, lançado em 2025, já havia alcançado 23,68 milhões.
A Nintendo continua provando que jogos japoneses podem liderar a indústria sem seguir a cartilha tecnológica e ideológica de seus concorrentes.
Às vezes, o futuro nasce de uma pergunta bem mais simples: o que o jogador consegue fazer aqui que não consegue fazer em outro lugar? É nesse ponto que todos os motivos surgem ou desaparecem.
Sega e Atlus descobriram que ser estranho também vende
Outro sinal dessa mudança aparece na Sega e, principalmente, na Atlus. Durante muito tempo, Persona parecia uma série destinada a um público nichado e relativamente pequeno fora do Japão. Hoje, apenas a família Persona 5 já alcançou 13 milhões de unidades (ou downloads) mundialmente.
O mais curioso é que esse crescimento não exigiu transformar Persona em algo menos “Ajaponesado”. Calendário escolar, relações sociais, combates por turnos e menus extremamente estilizados continuam no centro da experiência.
Like a Dragon seguiu caminho parecido. A série mistura melodrama criminal, humor absurdo, minigames e passeios por bairros japoneses sem pedir desculpas por nenhuma dessas escolhas. Aliás, em vez de diluir sua identidade, transformou essa identidade em diferencial.
Metaphor: ReFantazio levou parte dessa escola para uma nova propriedade intelectual. Ao mesmo tempo, o sucesso internacional mostrou que o público aceita experiências densas, longas e visualmente excêntricas quando elas apresentam uma personalidade clara.
Isso derruba uma velha ideia sobre o mercado global. Durante anos, algumas publishers pareciam acreditar que jogos japoneses precisavam se tornar mais ocidentais para vender aqui. Persona, Like a Dragon e outros exemplos sugerem o contrário.
Na prática, essa personalidade virou vantagem competitiva. Quanto mais específica é a identidade, maior pode ser a curiosidade de quem está do outro lado do planeta.
Não existe uma fórmula japonesa e esse é justamente o ponto
Seria um erro tratar todos os jogos japoneses como se seguissem uma única cartilha. Veja bem, Nintendo e FromSoftware, por exemplo, trabalham com filosofias quase opostas.
A Nintendo costuma convidar o jogador a experimentar sistemas com liberdade. A FromSoftware prefere mundos hostis, opacos e deliberadamente desconfortáveis. A Capcom aposta na precisão mecânica, enquanto a Atlus transforma menus, rotina e conversa em parte da experiência.
Mesmo assim, existe um ponto de encontro. Essas empresas parecem muito mais confortáveis em preservar identidades específicas do que estavam durante a crise de confiança no final dos anos 2000.
Elas adotam motores gráficos modernos, mundo aberto, multiplayer online, captura facial e lançamentos globais. Entretanto, já não parecem obrigadas a transformar seus jogos em cópias culturais do mercado americano.
Essa influência também não aparece apenas nas vendas. Ela está na linguagem do design. Que surge quando um estúdio descreve seu projeto como “soulslike”. Aparece quando outro constrói sistemas emergentes inspirados em Zelda. Também ganha força quando grandes RPGs voltam a apostar em combates por turnos, estilização agressiva e estruturas antes consideradas nichadas.
Clair Obscur: Expedition 33 oferece um ótimo exemplo. O RPG francês não é japonês, obviamente, mas dialoga abertamente com tradições dos JRPGs. A influência atravessou fronteiras a ponto de deixar de depender da origem do estúdio. O resultado disso? Premio de Jogo do Ano em 2025.
Por que os jogos japoneses voltaram ao centro em 2026?
Talvez por isso setembro de 2026 seja tão simbólico. O Tokyo Game Show completou 30 anos com a primeira edição de cinco dias de sua história. Ao mesmo tempo, Sony e Microsoft reforçaram o espaço dedicado à produção japonesa e asiática.
A Sony realizou outro State of Play Japan em 3 de setembro. A transmissão destacou projetos de estúdios do Japão e da Ásia. Poucos dias depois, a Microsoft chegou ao TGS com anúncios envolvendo nomes como Sega, Atlus, Koei Tecmo e Kojima Productions.
Isso não prova que o Japão “domina” novamente a indústria. Porém, mostra onde as grandes plataformas enxergam valor cultural, criativo e comercial.
Também existe uma diferença estrutural interessante. Parte das empresas japonesas evitou algumas das maiores apostas que destruíram publishers ocidentais nos últimos anos.
Nem todas embarcaram com a mesma intensidade na corrida por jogos como serviço, equipes gigantescas e projetos cada vez mais caros.
Isso não torna o modelo japonês automaticamente superior. A indústria do país também enfrenta problemas trabalhistas, pressão por produtividade e desafios tecnológicos. Além disso, empresas japonesas estão abraçando novas ferramentas de IA rapidamente.
Uma pesquisa divulgada pela CESA em 2026 apontou que 85,8% dos desenvolvedores japoneses consultados já utilizavam inteligência artificial generativa no trabalho. Portanto, tradição não significa rejeição à tecnologia.
O que mudou foi outra coisa. Os jogos japoneses parecem menos interessados em abandonar sua identidade para provar que são modernos.
Afinal, o Japão voltou a ditar o futuro dos videogames?
Depende do que você entende por “ditar”. Claro que o Japão não voltou ao cenário dos anos 1990, quando poucas regiões conseguiam rivalizar com sua influência. Hoje, a indústria é muito mais distribuída.
Estados Unidos e Europa continuam fundamentais, enquanto China e Coreia do Sul conquistaram um protagonismo impossível de ignorar.
Além disso, videogames agora significam muito mais do que consoles. PC, mobile, serviços, streaming e comunidades online tornaram o mercado mais fragmentado e global do que nunca.
Por isso, talvez a pergunta mais interessante não seja quem domina a indústria. Vale perguntar quem está criando ideias que os outros querem reinterpretar.
Nesse sentido, fica difícil ignorar o Japão. A estrutura dos Soulslike virou gênero. Zelda redefiniu parte do design de mundos abertos. Monster Hunter levou suas caçadas cooperativas a um público gigantesco. Resident Evil voltou a orientar o survival horror. Persona mostrou que RPGs longos e estilizados podem conquistar milhões de jogadores.
Há quase vinte anos, muitas empresas japonesas olhavam para o Ocidente e perguntavam como poderiam alcançá-lo. Em 2026, essa relação parece bem menos unilateral.
Grandes publishers disputam parcerias com criadores japoneses. Plataformas reservam transmissões para esses projetos. Desenvolvedores ao redor do mundo absorvem soluções criadas por FromSoftware, Nintendo, Capcom e outros estúdios.
Talvez os jogos japoneses não estejam novamente “dominando” os videogames. Na verdade, estão fazendo algo mais interessante: voltaram a influenciar a maneira como a indústria pensa sobre eles.
E existe uma bela ironia nisso. O Japão não recuperou sua relevância tentando prever o futuro que o Ocidente queria. Ele recuperou sua relevância quando voltou a construir o próprio.
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